Películas en blanco y negro del ayer y del hoy: estética de una nostálgica melancolía


Aunque parezcan propias de una época antigua, la impronta de las películas en blanco y negro es tal que, incluso en esta época, siguen estando en la cúspide de lo mejor del cine.

No obstante la introducción de cintas a color a partir de 1902, a manos del fotógrafo inglés Edward Turner, a lo largo del último siglo, ya fuese en un principio por su factibilidad económica o capacidad de evocar un aura emocionalmente más cargada, la estética a blanco y negro ha delineado los confines de grandes trabajos de la filmografía internacional.

Trabajos que han destacado, entre otros aspectos, por esa estética que obliga a prestar atención a aquellos detalles en los que, en muchos casos, no reparamos cuando vemos películas a color. Entre estos trabajos filmográficos en blanco y negro están los siguientes:

N.º 1: Frances Ha (2012, Baumbach)

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El rodaje fue llevado a cabo bajo relativo anonimato, en las calles de Nueva York. Vía EU Reporter.

Protagonizada por Greta Gerwig, Frances Ha presenta a una aprendiz de bailarina homónima, quien —sin mayores prospectos en cuanto a su carrera y vida afectiva— emprende una travesía de autodescubrimiento, de lo cual en primera instancia no parecería más que sumirla en la miseria. Notable por la interacciones naturales entre su elenco, el guion de Gerwig y Baumbach no pretende moralizar a la audiencia, sino capturar la inquietud que en Frances despierta su incierto futuro.

Gerwig aparece en cada escena de la cinta. Tráiler oficial de “Frances Ha”, vía YouTube.

“Frances Ha” está disponible en Netflix.

N.º 2: Sátántangó (1994, Tarr)

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La cinta fue rodada entre el 4 de febrero de 1992 y el 16 de enero de 1994. Vía IndieWire.

Sátántangó nos introduce a un pequeño pueblo húngaro cuyos habitantes, habiendo visto el colapso de su granja colectiva, esperan recibir una compensación que les permita recolocarse en diferentes partes del país. No obstante, a sus ambiciones se interpone el inesperado regreso del manipulativo Irimiás (Mihály Vig), antiguo compañero de trabajo presumido muerto, quien les propone fundar una nueva comuna.

Con una extensión superior a las siete horas, la cinta caracterizada por el empleo de tomas largas profundiza en las vidas de los integrantes de la comunidad, tanto a nivel individual como respecto a las dinámicas de poder que les afectan a nivel colectivo, a la vez que advierte sobre los peligros del mesianismo.

Por el filme, Tarr se hizo con el Caligari Film Award durante la ceremonia del Berlin International Film Festival, en 1994. Tráiler oficial de “Sátántangó”, vía YouTube.

N.º 3: Raging Bull (1980, Scorsese)

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Su interpretación le valió a De Niro el Óscar como mejor actor, en 1981. Vía Boston Hassle.

Estructurada de forma no lineal y enfática en las tendencias autodestructivas de su personaje protagónico, la biopic de Scorsese presenta a Jake LaMotta (Robert De Niro), emblemático boxeador de peso mediano, recordado por sus múltiples encuentros con Sugar Ray Robinson, y quien incapaz de procesar adecuadamente sus emociones, por lo que recurre consistentemente a la única opción que reconoce feasible: la violencia.

El filme marca la primera de siete colaboraciones en pantalla entre Robert De Niro y Joe Pesci. Tráiler vía YouTube.

N.º 4: Eraserhead (1977, Lynch)

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Financiado por Lynch mismo, el filme tomó cinco años en ser completado. Vía Taste of Cinema.

Eraserhead relata la historia de Henry (John Nance), un trabajador de fábrica quien, tras contraer matrimonio con Mary X (Charlotte Stewart), es empujado al borde de la demencia tras volverse padre de una deforme e inconsolable criatura. Con una trama cuya estructura desafía convenciones de la lógica y pretende desorientar al espectador, Lynch muestra su capacidad para ejecutar composiciones visuales perturbadoras.

Stanley Kubrick nombró a “Eraserhead” como su cinta favorita. Tráiler de “Eraserhead”, vía YouTube.

N.º 5: Persona (1966, Bergman)

Persona (1966) Bibi Andersson and Liv Ullmann

La autora Susan Sontag la consideraba la mejor película de la historia. Vía Scraps from the loft.

Después de sumirse en un inexplicable estado de silencio total, la célebre actriz de teatro Elisabeth Vogler (Liv Ullmann) se instala en una casa de verano junto a Anna (Bibi Andersson), enfermera a cargo de su cuidado. Aisladas del mundo exterior, los límites entre sus personalidades se deterioran rápidamente. De una monumentalidad inefable, el drama psicológico de Bergman (uno de los mayores exponentes del cine sueco) representa, en esencia, un estudio sobre la identidad.

Directores como el soviético Andrei Tarkovsky han externado su admiración por la cinta. Tráiler oficial, vía YouTube.

N.º 6: (1963, Fellini)

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El título del filme hace referencia al número de trabajos que Fellini había dirigido para el momento de su estreno. Vía FACT.

Incapaz de encontrar inspiración para la trama de su nuevo proyecto cinematográfico, el reconocido director Guido Anselmi (Marcello Mastroianni) hace un recuento de su vida en la forma de memorias de su niñez y aquellas relaciones personales que le marcaron, y continúan influenciándolo, como el declive de su matrimonio e incontables amoríos.

Por medio de la exploración de las inseguridades y manías de su personaje titular, el largometraje de Fellini constituye una búsqueda del significado de la honestidad expresada a través de secuencias surrealistas.

Laurence Olivier fue considerado para el papel protagónico de la cinta. Tráiler de “8½”, vía YouTube.

N.º 7: A Streetcar Named Desire (1951, Kazan)

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Por su rol como Blanche DuBois, Vivien Leigh se hizo con el Óscar a mejor actriz, en 1952. Vía Sky.

En A Streetcar Named Desire, Blanche DuBois (Vivien Leigh) es una antigua profesora que se traslada a New Orleans para vivir con su hermana Stella (Kim Hunter), y su esposo, Stanley Kowalski (Marlon Brando). Pronto, horrorizada por el temperamento violento del último, aparentemente empeñado en antagonizarla, DuBois se ve obligada a confrontar las razones que la forzaron a partir precipitadamente de su nativa Mississippi.

Distintivo por un notable conjunto de actuaciones, el drama de Elia Kazan revuelve en torno a personajes imperfectos, consumidos por sus pasiones e impulsos irracionales.

Cada primavera, New Orleans se vuelve sede de un festival que honra a la obra homónima de Tennessee Williams. Tráiler oficial de “Un tranvía llamado deseo”, vía YouTube.


Aunque ciertamente no es la única razón por las que son recordadas, la estética de las anteriores propuestas no hizo sino añadir un carácter atemporal, inherentemente melancólico, a estas notables piezas del séptimo arte.